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intervista realizzata con gli studenti del Liceo Classico Umberto I di Napoli
GIOSETTA FIORONI

STUDENTESSA: Penso che al giorno d'oggi il successo sia strettamente legato alla capacità di stupire e sorprendere il pubblico. Lei crede che l'opera d'arte debba soltanto suggestionare e provocare emozioni, o ritiene che, essendo uno strumento di conoscenza, debba essere una rappresentazione della realtà delle cose?
FIORONI: Come hai giustamente notato, l'arte contemporanea - soprattutto in quelle manifestazioni che vengono genericamente chiamate "avanguardie" - deve assolutamente stupire: nelle sue elaborazioni ed espressioni estreme è un'arte molto "teatralizzata". Oggi, naturalmente, parlare di arte contemporanea significa riferirsi ad una gamma molto ampia di esperienze. La cosa di cui si parla meno è il supporto della tela, l'antico supporto del quadro. Un interesse maggiore riceve la scultura, perché il materiale scultoreo si presta meglio alla teatralizzazione di cui ho parlato poc'anzi. Anche tutte le grandi esperienze contemporanee - la pittura digitale, il video, le performance, le installazioni - si rivelano sorprendentemente teatrali. In una delle ultime edizioni della Biennale di Venezia, il premio maggiore è andato ad una "operatrice" - un nuovo termine che a me sembra un po' comico - della ex Jugoslavia. La sua installazione occupava una sala della Biennale. Essendo il suo paese martoriato da infinite e travagliate guerre locali, l'artista aveva portato un enorme quantitativo di ossa non umane, appartenenti ad animali di ogni tipo. Lei stava in cima a questo ossario e, con una piccola spazzola di ferro, finiva di pulire le ossa dai relitti ancora rimasti attaccati. Un'amplissima commissione, molto importante e costituita da critici italiani e stranieri, ha conferito a questa installazione - o performance - il premio maggiore della Biennale, ossia un riconoscimento importantissimo, forse uno dei più importanti e meglio remunerati del mondo. Questo per farvi capire il peso oggi assunto dall'aspetto "teatrale" dell'arte, che corrisponde ad un profondo desiderio di sorprendere. Un tempo lo spettatore si poneva di fronte a un quadro per riuscire a stabilire un rapporto personale, emotivo e riflessivo con questo: ne veniva attratto se gli piaceva, lo disapprovava se non gli piaceva. Oggi ciò che veramente conta è l'impatto. Nella stessa biennale dell'artista iugoslava era presente un grande pittore tedesco, che mi pare abbia esposto anche al Museo d'Arte Moderna di Napoli qualche anno fa, il cui nome è Anselm Kiefer. Questo pittore - a mio avviso il più interessante della scena occidentale contemporanea - ancora utilizza un supporto "classico", tela o legno, che crea i limiti del quadro. Si tratta di solito di quadri molto grandi, che occupano un'intera parete. La maggior parte dei temi si rifà all'antichità: uno dei quadri più toccanti, ad esempio, si intitola Il Tigri e l'Eufrate, i due grandi fiumi che sono alla base della nostra civiltà. Il materiale con cui lavora è molto vario: stracci, sabbia, sassi, semi di girasole, tutte cose che accumula e posiziona sul quadro seguendo una sua idea, per evocare dei grandissimi luoghi arcaici. Ha anche dipinto numerosi quadri di città immaginarie - ad esempio case costruite sulle nuvole - dando prova di una grandissima possibilità suggestiva. Due membri della Giuria che ha premiato l'artista jugoslava alla Biennale si sono dissociati dalla Commissione perché secondo loro il premio doveva andare a un quadro di questo grande artista, che racconta una sorta di storia dell'uomo.

STUDENTESSA: Nella scheda abbiamo visto alcune opere che non corrispondono ad un ideale di bellezza nel senso classico. Lei crede che il "bello" sia ancora di dominio esclusivo dell'arte?
FIORONI: No, credo che il "bello" abbia subito grandi trasformazioni, tanto che è difficilissimo continuare a chiamarlo bello. Nel mondo contemporaneo si cerca di stupire, di colpire lo spettatore.Una delle punte estreme della ricerca in campo figurativo è legata ad una pratica che a me fa addirittura ribrezzo, ossia il piercing, ma non il piercing che si è soliti vedere in giro: in Germania c'è stata una grande mostra in cui delle persone nude venivano attraversate da uno spillone da spalla a spalla o da gota a gota. Si esponevano in questo stato estremamente "drammatico" e a volte soffrivano, tanto che molto spesso c'era qualcuno che li doveva aiutare a tamponare il siero e il sangue che colavano dalle ferite. Ho visto una foto della mostra che ritraeva una persona - rapata a zero e immortalata da dietro - sul cui cranio erano state tracciate delle ferite con un rasoio, in modo che si formassero le figure di un traliccio o di una ragnatela da cui colava sangue. Non si sa più cosa sia il "bello": l'idea del bello è diventata relativa perché assume dei connotati sempre più discutibili, speciali, legati ad altre esperienze. A Bilbao è stato di recente inaugurato un grande museo in cui è presente un percorso che passa tra due lastre di ferro, strette e alte circa sei metri, in cui lo spettatore è costretto a passare provando una sensazione di claustrofobia, di oppressione. Il "bello" di un Discobolo di Mirone è completamente assente da questa installazione.

STUDENTE: Cosa ne pensa di quegli oggetti di design che, ispirandosi all'arte contemporanea, riescono in qualche modo ad assimilarne forme e stili? In proposito mi viene in mente uno spremiagrumi a forma di Shuttle. Lei crede che questi oggetti possano aiutare la diffusione dell'arte o, al contrario, ritiene che ne siano una contraddizione?
FIORONI: Non possiedo una grande competenza nel campo del design, ma credo di aver capito a quale oggetto ti riferisci: uno spremiagrumi molto carino, sebbene non credo sia così comodo per spremere i limoni. Oggi l'arte punta a tematiche molto più forti e "spaesanti" di quelle del design. Il grande architetto italiano Ettore Sottsass, ora molto vecchio, ha utilizzato la fòrmica per costruire dei mobili che sapessero di antico, che potessero somigliare ai trumeau del Settecento; ha creato degli oggetti veramente sensazionali, per colori e per accostamenti, cui ha aggiunto dei piccoli supporti antichi. Questo è un designer. Anche la moda, che ha prodotto dei vestiti di grandissima bellezza, a mio avviso è una forma di design. Io non credo, però, che il design e l'arte siano ora assimilabili. Fino all'inizio del secolo appena passato, il primo era molto più intrecciato alla pittura e alla scultura, mentre adesso vi è una grande divaricazione, perché il campo dell'arte chiede un tipo di partecipazione slegata dall'utilità delle cose, lontana dal quotidiano ed estremamente correlata al subbuglio emotivo. Del resto questo è solo il mio parere: un'altra persona potrebbe anche affermare il contrario.

STUDENTE: Lei cosa ne pensa dell'impiego delle nuove tecnologie nell'arte?
FIORONI: È un grande interrogativo amletico: saranno o non saranno loro l'arte del futuro? Tutti gli artisti giovani lavorano con le nuove tecnologie. C'è un ragazzo mio amico, il quale lavora nello studio vicino a me, che deforma al computer ogni cosa gli venga in mente: la sua ragazza, il piede del nonno, delle facce e così via, poi stampa il tutto a dimensioni enormi. C'è moltissimo interesse anche nei confronti della "videoarte". Vi è tutta una generazione di artiste donne che ha compiuto un grandissimo lavoro, sia con il video riprodotto sullo schermo, sia con il video proiettato su un'ambientazione.

STUDENTE: Secondo Lei, quindi, si può creare arte anche con il computer?
FIORONI: È una domanda da un milione di dollari cui francamente non so rispondere. Credo, comunque, che tutto può costituire un pretesto per fare qualcosa di così straordinariamente unico e nuovo che diventa forma d'arte. Quello che si vede in giro, nella maggior parte dei casi, è qualcosa di curioso, interessante, a volte elegante, altre volte stupefacente. Una delle prove per scoprire la validità di ciò che viene concepito è guardare le cose più di una volta: se alla terza volta ti annoiano allora è brutto segno. Di cose che resistano veramente non ce ne sono molte, ma ce ne sono. Oggigiorno si proietta di tutto su tutto. Tra circa 4 anni, nella Galleria Nazionale d'Arte Moderna di Roma sarà totalmente aperta al pubblico una nuova ala su cui sta lavorando un architetto inglese. In una parte di questa ala ha già esposto un gruppo di giovani, i quali usano quasi tutti le nuove tecnologie. Secondo me, il lavoro più bello è stato quello di una ragazza che, al centro di una sala, ha innalzato una lastra di vetro su cui vengono proiettate due immagini diverse: su una superficie il fermo immagine di una farfalla, sull'altra la farfalla in movimento. Le due cose insieme funzionano benissimo e creano un'atmosfera magica che può evocare l'aria dell'aperta campagna, un film, un qualcosa di onirico sospeso tra il sogno e l'incubo. Un altro artista, Maurizio Cattelan, invece di usare un proiettore lavora sull'impagliato, vive per la maggior parte a New York ed è considerato la nuova superstar nel mondo dell'arte contemporanea. Due anni fa sono andata a vedere una mostra in Francia: vicino ad una custode del museo c'erano due magnifici cani. Io ho una passione per i cani, mi sono avvicinata ed ho detto alla signora che era molto bello che in Francia permettessero di portare gli animali ai musei. Allora lei mi ha guardato con aria sprezzante e mi ha comunicato che i due cani erano l'opera di un artista italiano. Erano cani impagliati, durissimi: due grandi cani chiari dal pelo liscio intrecciati tra di loro che dormivano un sonno meraviglioso, un sonno esteticamente bello che ispirava tenerezza e attenzione. Era un'opera di Maurizio Cattelan, naturalmente. Questo artista ha impagliato tantissime cose, ad esempio al Museo di Rivoli, vicino a Torino. Si tratta di un bellissimo museo con sale settecentesche, che crea contrasto con questa specie di strano cavallo rimasto sospeso tra gli affreschi del soffitto, come se cavalcasse nell'aria. Ultimamente Cattelan ha fatto in resina raffigurante Papa Woitjla e l'ha esposta a Londra, in una mostra che mi pare si intitoli Apocalisse. Il papa è raffigurato per terra con in mano la Pastorale e intorno ci sono alcuni frammenti di un meteorite, come se questo lo avesse colpito e fatto cadere. Sarà il futuro a dirci se si tratta di grandi opere oppure no.

STUDENTE: Secondo Lei la pittura tradizionale ha ancora un futuro o, avendo rappresentato sulla tela tutto il rappresentabile, ha esaurito le sue possibilità?
FIORONI: Ecco un'altra domanda interessantissima. Dato che continuo a dipingere quadri - sebbene abbia fatto qualche scultura - piacerebbe anche a me saperne la risposta. Ad onor del vero, c'è ancora un filone molto considerato nelle gallerie che continua ad occuparsi di pittura su tela o di scultura "tradizionale". Naturalmente si tratta di opere un po' "arretrate" rispetto ai grandissimi prodotti delle avanguardie di cui vi ho parlato. Molti musei sparsi nel mondo, soprattutto sulla scia di quel che succede in America, fanno sì che l'attenzione sia concentrata su ciò che è considerato innovativo. Personalmente sono del parere che, in mezzo a tante opere valide, ci siano molte cose di basso profilo che non mi convincono per niente, mentre esistono dei pittori che, pur continuando ad usare la pittura "classica", riescono a fare dei quadri veramente interessanti. Vi è un gruppo di pittori inglesi, ad esempio, che continua a fare delle cose estremamente realiste. Questi artisti lavorano col segno, con la pittura, e fanno cose molto brillanti, molto emozionanti. Penso che ancora ci sia una strada per lavorare su tela. Pensiamo ad un altro supporto: la fotografia. C'è parecchio interesse per la fotografia: a volte si tratta di semplice fotografia, altre volte risulta talmente ambigua da assumere una valenza assai forte. Conosco un fotografo che vive a Roma e che si chiama Marco Delogu, il quale si concentra soprattutto sul viso e sulla fisiognomica. In una mostra è stata esposta una sua fotografia che ritrae un gruppo di cardinali decani, tutte persone che vanno dagli 85 ai 100 anni: queste facce, che hanno avuto una vita così speciale, sono in grado di provocare una forte emozione. La mostra di Delogu si colloca in una zona ambigua: le sue fotografie sono caricate da elementi espressivi più forti, ed acquistano una valenza significativa molto potente.

STUDENTE: Fino adesso l'arte ha privilegiato la vista. Nelle avanguardie artistiche, però, si è cercato di far emergere anche altri sensi, come ad esempio il tatto: vi erano delle opere fatte per essere toccate e delle pareti dentro cui si potevano infilare le mani per sentire cosa celavano. Lei crede che la sperimentazione tramite l'uso di altri sensi potrebbe avere degli sviluppi in futuro?
FIORONI: Mi prendi in castagna, perché in proposito non so che dirti: sono del tutto impreparata. So, ad esempio, che all'inizio del secolo alcuni surrealisti facevano delle opere utilizzando pelli di animale, ricavandovi un piatto o una tazzina. Anche in quel caso si trattava soprattutto di un'esperienza tattile, perché il pelo animale subiva delle piccole modificazioni ogni volta che lo si toccava. C'è un giovane artista americano che da qualche tempo sta scavando una collina in Arizona affinché un raggio di luce vada a colpire le pietre e i vetri che ha posto in una caverna ricavata alla base della collina. È un modo molto inusuale di lavorare con la luce e richiede anni di lavoro.

STUDENTE: Esistono delle opere che "mischiano" i diversi sensi? Ad esempio un'immagine accompagnata da un odore...
FIORONI: Credo che ci siano state delle esperienze in proposito. Qualche anno fa, a Milano, un artista italiano ha esposto circa mille bicchierini riempiti di liquori differenti. Quando si entrava nella sala c'era un terribile odore di alcool, ma era un'operazione suggestiva.

STUDENTE: Quindi possono darsi anche nuove suggestioni?
FIORONI: Tutto si presta ad essere interpretato in tal modo. Sebbene non abbia molta fiducia in queste cose penso che, se usate in una certa maniera, possano dare buoni risultati. Tutto ciò che concerne i profumi, ad esempio, potrebbe essere interessante da indagare.

STUDENTESSA: Lei crede che gli artisti contemporanei si preoccupino del ruolo sociale dell'arte o ritiene che pensino solo al proprio soddisfacimento personale?
FIORONI: Credo che gli artisti, a parte qualche caso clinico, lavorino tutti per avere un dialogo, perché è insito nella natura del loro lavoro. Di solito si presuppone che un artista tenda a far trasparire tutta la sua personalità da un quadro o da un'opera in genere. A me pare che oggi gli artisti cerchino addirittura più dialogo rispetto a ieri o, per lo meno, il più allargato possibile: con le persone giovani prima di tutto, con gli esperti, con i musei, con gli addetti ai lavori e con tante altre categorie sociali.

STUDENTESSA: Credo che ciò avvenga soprattutto perché chi osserva un'opera d'arte moderna spesso può ricavarne un messaggio proprio. Lei cose ne pensa?
FIORONI: Penso che ciò che affermi sia molto giusto. Sulla "farfalla" di cui vi ho parlato in precedenza, ad esempio, ognuno può costruire un suo piccolo sogno, può rivivere un proprio momento che ha intuito nella natura, può trovarci qualcosa di personale. Oggi più che mai questo fenomeno è legato all'idea di comunicare a differenti e numerosi livelli, perché come si è allargata a dismisura la gamma dei supporti su cui gli artisti lavorano, così si è ampliato lo scambio con l'esterno.

STUDENTESSA: Nonostante si sia allargata la gamma dei supporti, non è aumentato il pubblico che segue l'arte. È come se l'arte non fosse accessibile a tutta la gente, come se fosse riservata solo alle persone più ricche ed intelligenti.
FIORONI: Un brillante avvocato o un medico di fama potrebbero essere ricchissimi ma non avere nessun interesse nei confronti dell'arte. Chiunque lavori in altri campi potrebbe essere preso da cose diverse ed essere cieco nei confronti delle esperienze artistiche. Non credo che l'arte di oggi punti ad essere elitaria, penso anzi che gli artisti - soprattutto quelli giovani - cerchino di coinvolgere la gente, per lo più sorprendendola, sconcertandola, scatenando dei quesiti negli spettatori: tutto ciò implica un desiderio di comunicare. Personalmente ho sempre desiderato comunicare. C'è un mio quadro, ad esempio, a cui tengo molto e che è dedicato a uno scrittore giapponese: vi è rappresentato un cielo rosso con un uccellino di legno applicato sopra. Questo scrittore ha scritto un libro bellissimo dal titolo Il paese delle nevi, in cui sono raccontate delle situazioni molto lievi e molto allusive riguardanti i sentimenti delle persone, il loro viaggiare, il loro muoversi nella vita. Il mio piccolo quadro è ispirato a tale sua visione domestica: vi è dipinta una stanza rossa in cui penetra un uccellino cui ho affiancato un ideogramma.

STUDENTESSA: Però nel passato, mi riferisco soprattutto al Medioevo, la costruzione di cattedrali implicava una maggiore partecipazione del popolo nella sua totalità e una maggiore considerazione nei confronti dell'artista, che veniva considerato un po' come un dio.
FIORONI: C'è un artista a tutto campo, molto bravo, che si chiama Mimmo Paladino e che è nato a Benevento, il quale ha allestito qui a Napoli una montagna di sale.

STUDENTE : Bruttissima.
FIORONI: Non ti è piaciuta? A me moltissimo, anche perché è stato, per l'appunto, un tentativo di inserirsi nella realtà urbana.

STUDENTESSA: Vorrei porle una domanda che riguarda l'ambito più strettamente commerciale. In base alla sua esperienza nell'ambiente artistico, non crede che un artista sia spesso influenzato dalle leggi del mercato e che, proponendo la sua arte come una merce, tenda a compromettere il vero significato della sua attività?
FIORONI; Anche questa è una domanda cui è molto difficile rispondere. Hai ragione: è un fenomeno che può accadere e che è molto complesso. Bisogna tenere conto del fatto, però, che anche nel passato esistevano le "commissioni": si commissionava una Madonna ad un'artista e questi interpretava l'opera a modo suo. Anch'io ho fatto diverse cose su commissione, ad esempio per un'associazione culturale che si chiama Near - New European Art Reserach, mi pare - e che voleva donare una Madonna ad una chiesa. Naturalmente mi hanno pagato: era un lavoro ingente, perché si trattava di un'opera era alta due metri e mezzo. Per farla ho lavorato a Faenza in una bellissima bottega che si chiama Bottega Gatti, dove ho fatto anche molta ceramica. Nonostante me l'avessero commissionata, ho lavorato come preferivo, in assoluto libertà espressiva; ho immaginato una Madonna con tre teste: una occidentale, una orientale - mi sono ispirata ad una mia amica filippina -, e una di colore - per la quale ho preso a modello una bellissima foto di Leni Riefensthal -. In un primo momento i committenti sono rimasti sconcertati: una madonna con tre teste! Chissà se la chiesa l'accetterà? Però io ho tenuto duro: non mi andava di fare una Madonna "normale". Questi tre volti erano impostati su un triangolo, con una sorta di manto che li avvolgeva e da cui uscivano tre piccole manine: una occidentale, una asiatica, una nera. Su questo manto ho immaginato che ci fossero i luoghi di tutta l'umanità: c'erano, modellati in piccolo, delle pagode, delle piramidi, dei templi giapponesi e così via, nonché animali di tutti i tipi, per i quali nutro una vera passione. Il manto diventava una sorta di territorio del mondo e, nonostante all'inizio i committenti fossero molto turbati, hanno finito per accettare l'opera. Credo che le committenze siano esistite sempre ma che questo non abbia influito più di tanto sull'esecuzione dell'opera. C'è da dire, però, che ci sono parecchie gallerie che pretendono molte opere, nonché delle trasmissioni televisive che quando ti propongono un lavoro vogliono comprare per lo meno 40/50 pezzi. In questi casi la cosa si fa più ambigua.

STUDENTESSA: Un'ultima domanda: quali saranno, secondo Lei, i rapporti tra l'arte occidentale e l'arte orientale nel nuovo millennio?
FIORONI: Questi rapporti già ci sono: esistono Biennali anche in Giappone e ad Istanbul, tanto per fare qualche esempio. Numerosi musei guardano con molto interesse al lavoro di artisti africani, giapponesi o cinesi, che spesso si trasferiscono a New York così come tanti artisti italiani hanno cercato l'ispirazione in India. L' intreccio è già in atto ed è evidente.